サルバドール・ダリ

(1904-1989)

ヴィーナスの夢

1939年
油彩・画布・パネル
243.8 x 487.6 cm

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2018 G1255


スペイン北東部フィゲラス生まれのサルバドール・ダリは、夢や欲望など「無意識」の世界の描写を試みたシュルレアリスム(超現実主義)の代表的画家です。その写実的な筆遣いや陰影表現には若い頃に研究した古典絵画からの影響が見られます。

本作は、1939年のニューヨーク万国博覧会で、会場内のパビリオン「ヴィーナスの夢」内部に展示されたものです。海の泡から生まれた女神ヴィーナスが、海底への郷愁を抱きながら見ている「夢」を描いています。燃えるキリン、柔らかい時計、群がる蟻など、ダリが好んだモチーフが多数用いられています。

Sarvador Dalí

(1904-1989)

Dream of Venus

1939
Oil on canvas mounted on panel
243.8 x 487.6 cm

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2018 G1255


Salvador Dalí was born in Figueres in the northeastern part of Spain. He was a prominent surrealist which tried to express the world of ‘unconsciousness’ such as dreams and desires. His realistic brushworks and the use of shadows are influenced by the classical paintings which he studied in his early days.

This painting was exhibited during the 1939 New York World’s Fair inside the ‘Dream of Venus’ pavilion. It depicts a ‘dream’ of a Venus born from the sea bubbles who embraces the nostalgia of going back to her birthplace, the bottom of the ocean. Many motifs loved by Dalí are used in this painting such as a burning giraffe, melting watches, swarming ants and so on.

Salvador Dalí

(1904-1989)

Rêve de Vénus

1939
Huile sur toile panneau
243.8 x 487.6 cm

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2018 G1255


Salvador Dalí né à Figueras au nord-est de l'Espagne est un peintre représentatif du surréalisme qui a tenté de dépeindre le monde de « l'inconscient », tel que les rêves et les désirs. L'influence des peintures classiques étudiées lorsqu’il était jeune peut être observée à travers son style de pinceau graphique et l'expression des ombres.

Cette œuvre a été exposée à l'intérieur du pavillon « Vénus's Dream » à l'Exposition universelle de New York en 1939. Elle représente le « rêve » que la déesse Vénus née de la bulle de la mer semble contempler en même temps que la nostalgie du fond de l’océan. Un certain nombre des motifs préférés de Dalí, tels que les girafes en feu, les montres molles et les fourmis en groupe sont représentées.

萨尔瓦多・达利

(1904-1989)

维纳斯之梦

1939年
油彩・画布・油画板
243.8 x 487.6 cm

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2018 G1255


萨尔瓦多・达利出生于西班牙东北部的菲格拉斯,是一位尝试描绘梦境和欲望等“无意识”世界的超现实主义的代表画家。从他写实的笔画和阴影的呈现中即可看到其受到了在幼年时研究过的古典绘画的影响。

本作品为,于1939年的纽约世界博览会会场内的展馆“维纳斯之梦”内部展示的作品。画中描绘了生于海水泡沫的女神维纳斯心怀对海底的乡愁所见的“梦”。燃烧的长颈鹿、柔软的时钟、成群的蚂蚁等,其中包含了达利所喜好的众多创作主题。

살바도르 달리

(1904-1989)

비너스의 꿈

1939년
유채・화포・패넬
243.8 x 487.6 cm

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2018 G1255


스페인 북동부 피게레스 출생인 살바도르 달리는 꿈과 욕망 등 ‘무의식’의 세계의 묘사를 시도한 대표적인 초현실주의 화가입니다. 그 사실적인 붓 터치와 음영 표현에는 젊은 시절에 연구한 고전 회화의 영향을 엿볼 수 있습니다.

이 작품은 1939년의 뉴욕 만국박람회에서 회장 내의 파빌리온 ‘비너스의 꿈’ 내부에 전시된 작품입니다. 바다의 거품에서 탄생한 여신 비너스가 해저에 대한 향수에 젖어 꾸고 있는 ‘꿈’을 표현하고 있습니다. 불타는 기린, 늘어진 시계, 떼를 지은 개미 등 달리가 애용했던 모티브가 다수 채용되어 있습니다.

ベン・ニコルソン

(1894-1982)

1933(絵画)

1933年
油彩・ジェッソ・板
73.3 x 90.8 cm

© Angela Verren Taunt. All rights reserved, DACS 2018


イギリス南東部バッキンガムシャーに、芸術家の両親のもと、ベン・ニコルソンは生まれました。1933年には、彫刻家ヘンリー・ムーアや、後に婚姻関係を結ぶバーバラ・ヘップワースらと抽象芸術グループ「ユニット・ワン」を結成。

本作では、彫る・引掻くといった彫刻的技法が用いられており、芸術家同士の交流の成果が見られます。

色が何層も塗り込まれた画面は、削ることで下層の色が現われ、複雑な表情を示しながら幾何学的な形を示しています。これらの描線はフリーハンドで引かれているためか、どこか温かみを感じさせる表現となっています。

Ben Nicholson

(1894-1982)

1933 (painting)

1933
Gesso and oil on board
73.3 x 90.8 cm

© Angela Verren Taunt. All rights reserved, DACS 2018


Ben Nicholson was born in Buckinghamshire in the southeastern part of England. His parents were also artists. In 1933, he formed an abstract art group called ‘Unit One’ together with a sculptor Henry Moore, his wife-to-be Barbara Hepworth and others.

This art work uses techniques of sculpting such as carving and scratching which shows the fruits of interaction with other artists.

By shaving the canvas which has been painted with many layers of colors, a complexed geometric pattern appears. The strokes somehow express warmth due to his freehand drawing.

Ben Nicholson

(1894-1982)

1933(peinture)

1933
Peinture à l'huile / Gesso / plaque
73.3 x 90.8 cm

© Angela Verren Taunt. All rights reserved, DACS 2018


Ben Nicholson est né de parents artistes dans le comté de Buckinghamshire dans le sud-est du Royaume-Uni. En 1933, il forme un groupe d'art abstrait « Unité 1 » avec le sculpteur Henry Moore et se mariera ensuite avec Barbara Hepworth.

Dans cette œuvre, des techniques sculpturales telles que la sculpture ou le grattage sont utilisées, et les résultats des échanges entre artistes peuvent être observés.

Dans cette œuvre possédant de nombreuses couches de couleurs peintes, la couleur de la couche inférieure apparaît en grattant, laissant apparaître une forme géométrique à l’expression compliquée. Comme ces lignes sont tracées à main levée, nous pouvons ressentir de la chaleur nous parvenir de cette œuvre.

本・尼科尔森

(1894-1982)

1933(绘画)

1933年
油彩・石膏底料・板
73.3 x 90.8 cm

© Angela Verren Taunt. All rights reserved, DACS 2018


本・尼科尔森出生于英国东南部的白金汉郡,出身于父母亲均为艺术家之家。于1933年,他与雕塑家亨利・摩尔,以及在其后建立婚姻关系的芭芭拉・赫普沃斯等人构建了抽象艺术团体“Unit 1”。

本件作品融合了雕刻和划痕的雕塑工艺,体现了多位艺术家交流的成果。

涂抹了多层颜色的画面中,通过刮痕呈现出其下层的颜色,并在表现出复杂的表情的同时显现出几何学的图形。可能是由于这些描画线条是通过徒手划上的,隐约给人一种温暖的感觉。

벤 니콜슨

(1894-1982)

1933(회화)

1933년
유재・젯소・나무판
73.3 x 90.8 cm

© Angela Verren Taunt. All rights reserved, DACS 2018


벤 니콜슨은 영국 남동부 버킹엄셔에서 예술가인 양친 사이에 태어났습니다. 1933년에는 조각가 헨리 무어 그리고 후에 혼인 관계를 맺게 되는 바바라 헵워스 등과 추상 예술 그룹 ‘유닛 원’을 결성.

이 작품에서는 파기와 긁기 등의 조각적 기법이 활용되어 예술가들 간의 교류의 성과를 엿볼 수 있습니다.

색상이 몇 겹이나 발라져 있는 화면은 깎아냄으로써 아래층의 색상이 나타나고 복잡한 표정을 보여주며 기하학적인 모양이 연출되고 있습니다. 이러한 선들은 프리 핸드로 그어져 있어서인지 왠지 따뜻함이 느껴지는 표현이 되고 있습니다.

クルト・シュヴィッタース

(1887-1948)

メルツ394、ピナコテーク

1922年
紙・コラージュ
17.9 x 14.3 cm


ドイツ北部ハノーファー生まれのシュヴィッタースは、既成概念や常識からの脱却を唱えたダダイスムを代表する作家のひとり。抽象的・機械的ともいえる作風は、第一次世界大戦で製図工を務めた経験が影響していると見られます。

大戦により瓦礫と化した故郷に衝撃を受け、瓦礫のように不要な物を素材とした「メルツMerz」と呼ばれる作品の制作を始めました。本作にも、チョコレートの包装紙などが使われています。

メルツという言葉は、商業を意味する「コメルツKommerz」という単語の一部が書かれた紙片が、作中に切り貼りされていたことから命名されました。

Kurt Schwitters

(1887-1948)

Merz394, Pinakothek

1922
Collage on paper
17.9 x 14.3 cm


Kurt Schwitters was born in Hanover, northern Germany. He is one of the artists representing Dadaism which rejected stereotypes or common sense. His abstract and mechanical style is said to be influenced by his experience of working as a drafter during the First World War.

He was shocked by his hometown’s devastation from the War and began creating art works titled ‘Merz’ by using discarded items as well as debris. This art work uses chocolate wrappers and others.

The made-up word ‘Merz’ was named after a fragment of a phrase ‘Kommerz’ meaning commerce was found in a piece of paper pasted on his work.

Kurt Schwitters

(1887-1948)

Merz394, Pinakothek

1922
Collage sur papier
17.9 x 14.3 cm


Schwitters né à Hanovre, au nord de l'Allemagne, est l'un des principaux auteurs du mouvement dada qui prônait l'évasion des notions établies et du bon sens. Le style abstrait et mécanique peut être vu comme influencé par l'expérience de son travail en tant que dessinateur durant la Première Guerre mondiale.

Il a été choqué par sa ville natale devenue débris suite à la guerre, et a commencé un travail appelé « Merz » en utilisant des choses inutiles comme des décombres. Dans ce travail, du papier d'emballage de chocolat est également utilisé.

L’œuvre prendra le mot Merz suite à un morceau de papier qu’il a coupé et collé, sur lequel une partie du mot « Kommerz » signifiant le commerce était inscrit.

库尔特・施威特斯

(1887-1948)

默茨394,陈列馆

1922年
纸・拼贴画
17.9 x 14.3 cm


施威特斯出生于德国北部的汉诺威,是打破固有概念和常识的达达主义的代表作家之一。从其作品既抽象又机械的风格中,即可看到他受到了当时在第一次世界大战时曾任职制图工作的影响。

由于大战导致他的故乡化为废墟瓦砾,在该打击下他利用了一些像瓦砾一样没用的物品的作为素材开始了被他称为“默茨Merz”的作品创作。本件作品中也使用了巧克力的包装纸等物品。

默茨一词的由来是,因为写有意为商业的单词“Kommerz”其中一部分的碎纸被拼贴到其作品中而来。

쿠르트 슈비터스

(1887-1948)

멜츠 394, 피나코텍

1922년
종이・콜라주
17.9 x 14.3 cm


독일 북부 하노버 태생의 슈비터스는 기성 개념과 상식으로부터의 탈피를 주창한 다다이즘을 대표하는 작가 중 한 명. 추상적・기계적이라고도 할 수 있는 작풍은 제1차 세계대전에서 제도공으로 근무한 경험의 영향으로 보입니다.

대전으로 인해 폐허가 된 고향에 충격을 받고 건물 잔해 등의 폐기물을 소재로 한 ‘멀츠 Merz’라고 불리우는 작품 제작을 시작했습니다. 이 작품에도 초콜렛 포장지 등이 사용되고 있습니다.

멀츠라는 이름은 상업을 의미하는 ‘코멀츠 Kommerz’라는 단어의 일부가 적혀 있는 종잇조각이 작품에 붙여져 있던 점에 착안해 명명되었습니다.

靉光あいみつ

(1907-1946)

二重像

1941(昭和16)年
墨・紙
24.5 x 20.0 cm


金属などの無機物と、人の顔や体の一部とが組み合わさった画面。現実を超越した想像の世界は、画家の卓抜な表現力により、強い存在感を帯びて絵画化されています。

異なる表情を示す二つの顔は、時の経過による感情の推移や、同一人物の持つ多面性を表しているのでしょうか。

作者の靉光は広島県北広島町出身。日本近代洋画史を代表する画家として知られ、油彩画だけでなく墨と筆の仕事も得意としました。本作に描かれた顔の傷と同様のところに靉光も傷があったといわれ、一種の自画像とも考えられている作品です。

AI-MITSU

(1907-1946)

Double Portrait

1941
Ink on paper
24.5 x 20.0 cm


This art work combines an inorganic substance such as metal with parts of human face and body. This imaginary world transcends reality. The artist’s outstanding expressiveness realizes a strong presence in the work.

The two faces each with a different expression could be interpreted as expressing changes of mood with the passage of time or the multifaceted nature of a same person.

The artist AI-MITSU was born in Kitahiroshima town of Hiroshima prefecture. He is a prominent Japanese modern artist. He was good at oil paintings as well as art works using ink and a writing brush. This is considered as a kind of a self-portrait as AI-MITSU seemed to have a scar in the same area of the face as this painting.

AI-MITSU

(1907-1946)

Double portrait

1941
Encre sur papier
24.5 x 20.0 cm


Visage combinant des matières inorganiques telles que du métal pour représenter le visage et la partie du corps d’une personne. Le monde de l'imagination transcendant la réalité a été transformé en une peinture avec une forte présence par le pouvoir d'expression du peintre.

Deux visages montrant des expressions faciales différentes peuvent-ils montrer le changement d'émotion dans le temps ou les multiples facettes d’une personne ?

L'auteur AI-MITSU est originaire de Kitahiroshima-cho, préfecture d'Hiroshima. Connu pour être un peintre qui représente l'histoire de la peinture occidentale moderne au Japon, il était bon tant au travail de l'encre et de la brosse qu’avec la peinture à l'huile. Il est dit qu'il a été blessé au même endroit que l'égratignure du visage dessiné dans ce travail, considéré également comme une sorte d'autoportrait.

叆光

(1907-1946)

二重像

1941年
墨・纸
24.5 x 20.0 cm


本作品呈现了金属等的无机物与人脸和身体组合的画面。画家通过超凡的表现力,把超越了现实的想象世界绘制出一幅具有强烈存在感的画作。

其中表情各异的两个人脸是否在表达着随着时间的推移而带来的情感变化,亦或是同一人物所拥有的多面性呢?

作者叆光出生于广岛县北广岛町。是一位日本近代西洋画的代表画家,不仅擅长油画,还精通墨画和书法。据说,叆光本人也有一处与本作品中所描绘的人脸上相同的伤口,因此本作品亦被认为是一种自画像。

아이 미쓰

(1907-1946)

이중상

1941년
종이에 묵화
24.5 x 20.0 cm


금속 등의 무기물과 사람의 얼굴과 신체의 일부가 조합된 화면. 현실을 초월한 상상의 세계가 화가의 탁월한 표현력으로 강한 존재감을 갖고 회화화되어 있습니다.

서로 다른 표정을 보여주는 2개의 얼굴은 시간의 경과에 따른 감정의 변화와 동일 인물이 지닌 다면성을 표현하고 있는 것일까요?

작자인 아이미쓰는 히로시마현 기타히로시마쵸 출신. 일본 근대 서양화사를 대표하는 화가로 알려져 있으며 유화 뿐만 아니라 잉크와 붓을 사용한 작업에도 탁월합니다. 이 작품에 묘사된 얼굴의 상처와 같은 곳에 아이미쓰도 상처가 있었다고 하는 점에서 일종의 자화상으로도 볼 수 있는 작품입니다.

小林こばやし 敬生けいせい

(1944-)

蘇生の刻 -白い朝・92-5

1992(平成4)年
木口木版・紙
108.0 x 142.0 cm


木口木版と呼ばれる技法で描かれた版画です。
硬くて彫りにくいのですが大変細かな表現が可能で、昔から世界中で親しまれてきました。
しかし、これほど大きな作品はほとんどありません。何しろ木口と言えば年輪の見える向き。細かな表現ができる硬い木は、そんなに大きくなりません。
小林も大きな版画を摺りたいときは切り株の断面をそのまま使ったりしていましたが、それでも縦横20~30cmが限界でした。
しかし、あるとき、雁皮紙がんぴしという薄い和紙に刷った小さな版画を何枚か貼り合わせることで、大きな物語も描けることに気づきます。
この作品の中にも同じ版を使った部分が幾つも隠れていますよ。見つかりましたか?

KOBAYASHI, Keisei

(1944-)

Time for Resurrection
- White Morning, 92-5

1992
Wood-engraving on paper
108.0 x 142.0 cm


This print work uses a wood-engraving technique.
It is very difficult to carve onto a hard wood, but it allows a very detailed expression and used by many artists worldwide from long ago.
Nevertheless, it is rare to see a piece as large as this. Artists use the end of a wood which shows tree rings to carve their art work. A hard wood is suitable to carve a detailed expression, however they do not grow to be that big.
Kobayashi used the cross-section of a tree when he wanted to make a large print, but the size was limited to 20-30cm vertically and horizontally.
One day, he discovered that by placing together pieces of prints printed on traditional Japanese papers made from a clove-like bush (ganpishi), he was able to make a large picture.
In this art work, there are several pieces which uses the same print. Can you guess which piece?

Keisei KOBAYASHI

(1944-)

Le temps de la résurrection - Matin blanc, 92-5

1992
Gravure sur papier
108.0 x 142.0 cm


C'est une xylographie représentée avec la technique de gravure sur bois.
Bien qu’elle soit dure et difficile à graver, cette œuvre rend possible une expression très détaillée, et elle est connue dans le monde entier depuis longtemps.
Cependant, il y a peu de grands travaux de ce genre. En parlant de gravure sur bois, il est possible d’en connaître l’âge. Un arbre dur pouvant exprimer de tels détails ne peut être si grand.
Kobayashi a également utilisé la section de la souche telle quelle pour y glisser de grandes gravures, mais la limite était toujours de 20 à 30 cm de longueur et de largeur.
Cependant, à un moment donné, il a remarqué qu’il pouvait représenter une grande histoire en collant de petits morceaux sur un mince papier japonais appelé Ganpishi.
Il y a aussi des parties cachées qui utilisent la même méthode dans ce travail. Les avez-vous trouvées ?

小林敬生

(1944-)

苏生之刻-白色早晨・92-5

1992年
木口木刻・纸
108.0 x 142.0 cm


本作品是使用了被称为木口木刻技法所描绘的版画。
由于木口的材质坚硬很难去雕刻,因此能够把细节表现得淋漓尽致,也因此该技法早已在世界各地流传开来。
但是,几乎没有像本作品这般大型的作品。不管如何,木口的意思就是树干可以看到年轮的一侧。可以精致地呈现细节的坚硬树木不会长得很大。
小林在过去也曾尝试直接使用树干截面去创作大型的版画,但是长宽最大也不过20~30cm。
但是有一次,他发现了通过把几张使用雁皮纸(雁皮树为原料制作的纸)这种十分薄的和纸印上的版画拼粘到一起,就可以绘制出大型的作品。
本作品中也有几个部分是使用了相同的刻板。找到了吗?

고바야시 케이세이

(1944-)

소생의 시간
-하얀 아침・92-5

1992년
종이에 목구목판화
108.0 x 142.0 cm


목구목판이라 불리우는 기법으로 제작된 판화입니다.
단단해서 파기 어렵지만 매우 섬세한 표현이 가능해 예로부터 전세계에서 애용되어 왔습니다.
그러나 이 정도로 큰 작품은 거의 없습니다. 목구라고 하면 무엇보다도 나이테가 보이는 방향으로 절단된 목판. 그러나 섬세한 표현이 가능한 단단한 나무는 그렇게 크게 자라지 않습니다.
고바야시도 큰 판화를 찍고 싶을 때는 그루터기의 단면을 그대로 사용하기도 했지만 그렇게 해도 가로 세로 20~30㎝가 한계였습니다.
그러나 어느 날 안피지라는 얇은 화지에 찍은 작은 판화를 여러 장 이어붙이면 대규모의 서사시적인 표현도 가능하다는 것을 깨닫게 됩니다.
이 작품 속에도 같은 판을 사용한 부분이 몇 곳이나 숨겨져 있습니다. 보이시나요?

朝井あさい きよし

(1901-1968)

祇園祭

1954(昭和29)年
木版・紙
145.5 x 89.4 cm


戦前から様々な素材や技法に積極的に取り組んできた朝井ですが、戦後はベニヤ板が手に入るようになったこともあり、それまでは考えられなかった巨大な版に取り組みます。

この作品も大きな版にざっくりとした鑿使いで、一見粗い表現ですが、それがかえってお祭りの雰囲気を上手く描き出しています。
もちろん技術的にも素晴らしい作品ですが、作者がその場の雰囲気を楽しんでいるからこそ描くことのできた作品と言えるでしょう。「コンチキチン」というお囃子まで聞こえてきそうな気がします。

ASAI, Kiyoshi

(1901-1968)

Gion Festival

1954
Woodcut on paper
145.5 x 89.4 cm


Asai has been active in challenging various materials and styles even before the Second World War. He began creating huge woodblock print pieces after the War as plywoods became widely available. This art work is one of them.

Although his chisel work is coarse and appears rough, this technique in fact recreates the atmosphere of the Gion festival very well.
It is a wonderful art work in terms of its technique, but it also shows how much he enjoyed the atmosphere of the festival himself which is clearly expressed in the art work. We can almost hear the music accompaniments of the festival.

Kiyoshi ASAI

(1901-1968)

Festival de Gion

1954
Gravure sur papier
145.5 x 89.4 cm


Asai a activement travaillé sur divers matériaux et techniques avant la Seconde Guerre mondiale, toutefois, après avoir réussi à obtenir des feuilles de contreplaqué après la guerre, il a travaillé sur des œuvres de grande taille, impensable jusqu’alors.

Ce travail est aussi une œuvre de grande taille utilisant des ciseaux et un burin, à l’apparence approximative, mais cette apparence décrit plutôt bien l'atmosphère du festival.
Bien sûr, c'est un travail merveilleux en termes de technique, mais nous pouvons dire que c’est aussi parce que l’atmosphère joyeuse du lieu est bien représentée que cette œuvre semble si bien achevée. Nous avons l'impression que cette musique appelée « Konchikichin » parvient jusqu’à nous.

朝井清

(1901-1968)

祗园祭

1954年
木版・纸
145.5 x 89.4 cm


朝井从二战前就积极地采用各种素材和技法作画,而由于在二战后能够入手到胶合板,因此他着手了过去无法实现的巨大版画创作。

本作品也是在巨大的木板上大片大片地使用凿子进行加工,看似粗糙的呈现方式,却恰到好处地把祭典的气氛表现了出来。
毋庸置疑,这是一幅需要极高技巧的作品,但同时也可以认为是只有作者很享受当时祭典气氛才能够画出的作品。看着这幅作品就仿佛能让人听见“Konchikichin”的祭典乐声。

아사이 키요시

(1901-1968)

기온 축제

1954년
종이에 목반한
145.5 x 89.4 cm


아사이는 전쟁 전부터 다양한 소재와 기법을 적극적으로 시도해 왔으나 전후에 베니어판을 구할 수 있게 된 것도 계기가 되어 전에는 상상할 수 없었던 거대한 판을 사용한 작품에 몰두합니다.

이 작품도 커다란 판에 투박한 조각칼을 사용해 일견 거칠어 보이는 표현이지만 그러한 점이 오히려 축제의 분위기를 잘 표현하고 있습니다. 기술적으로도 물론 훌륭한 작품이지만 작가가 즐거운 현장의 분위기에 동화됨으로써 표현할 수 있었던 작품이라 할 수 있습니다. ‘곤치키친’이라는 축제 음악까지 들려올 것 같은 느낌입니다.

狩野派かのうは

厳島図

17-18世紀
紙本金地彩色
151.0 x 334.0 cm


厳島は、古代より「神にいつく(仕える)島」と呼ばれる信仰の対象で、平安時代の和歌にも詠まれた名所です。江戸時代には歓楽地が整備され、京都・天橋立、宮城・松島と並んで「日本三景」にも数えられ、画題として広く流布しました。

この作品では、紺碧の海、純白の洲浜、たなびく金雲に包まれた厳島の南面を描きます。
豊かな自然と控えめな風俗の描写によって、ひときわ厳かに「神の島」を表わしているようです。
また、描かれた景観には能舞台も松原もないことから、江戸時代をさかのぼる作品を底本とすることも想定される貴重な作品です。

Attributed Kano School Painter

Itsukushima

17th - 18th century
Color on gold leafed paper
151.0 x 334.0 cm


From the ancient times, Itsukushima island has been worshiped as the ‘Land to serve Gods’. The island’s name is even mentioned in a Japanese tanka poem made during the Heian period (794-1185). Entertainment districts were established during the Edo period (1603-1868) and Itsukushima island became known as one of the three most scenic places in Japan together with Amano-Hashidate in Kyoto and Matsushima in Miyagi prefecture. The island thus became famous as a motif of art works.

This art work paints the southern part of the island by depicting the deep blue sea, pure white sandy beach and the trailing golden clouds.
Through the descriptions of abundant nature and modest manners and customs, the “island of god” is seemed to be expressed more solemnity. The painting is a historical work which is considered as depicting the original scenery of the island dating back to the Edo period as it does not have neither a Noh stage nor pine groves in the scenery.

École Kano

Itsukushima

17-18e siècle
Couleurs sur un papier doré
151.0 x 334.0 cm


Itsukushima est un lieu de foi appelé « l’île servant Dieu » depuis les temps anciens, c’est également un lieu où un waka a été composé durant l’époque de Heian. Développé comme endroit prospère à l'époque d'Edo, et faisant partie des « trois scènes du Japon » aux Amano-Hashidate à Kyoto, et Matsushima à Miyagi, il a souvent été choisi en tant que sujet de peinture.

Dans ce travail sont représentées la face sud d'Itsukushima enveloppée dans un océan bleu azur, une plage blanche pure et des nuages dorés. Il semble que la représentation du « Dieu de l'île » soit strictement exprimée par la représentation d’une nature riche et de mœurs discrètes.
C'est un travail précieux qui n’inclut pas la scène Noh et Matsubara, nous pouvons penser qu’il est la source des œuvres traçant l’histoire de la période d’Edo.

狩野派佚名

严岛图

17-18世纪
纸本金底設色
151.0 x 334.0 cm


严岛自古以来即被称作“斋奉神灵之岛”而受到人们的信仰,是一个在平安时代的和歌中亦有所歌颂的名胜。到了江户时代,此处建立了欢乐地,与京都・天桥立、宫城・松岛并称为“日本三景”,以其为画作题材的作品广泛流传。

本作品中,描绘了被碧蓝的海水、纯白的沙滩、以及金色的云彩所包围的严岛的南面。通过描绘丰富的自然景观和含蓄的风俗,似乎在庄重地呈现着“神之岛”。
另外,由于描绘的景观中并没有能舞台或者松原,因此可以推断出其原稿可追溯到江户时代,是非常珍贵的作品。

가노유파 작품

이쓰쿠시마도

17-18세기
금색 종이에 채색
151.0 x 334.0 cm


이쓰쿠시마는 고대부터 ‘신을 모시는 섬’으로 불리우는 신앙의 대상으로 헤이안 시대의 와카(시)에도 인용되는 명소입니다. 에도 시대에는 환락지가 정비되어 교토의 아마노하시다테와 미야기의 마쓰시마와 더불어 ‘일본 3경’으로 손꼽히며 그림의 소재로 널리 유포되었습니다.

이 작품에서는 감청색 바다, 순백의 해변, 길게 뻗은 금색 구름에 둘러싸인 이쓰쿠시마의 남쪽 풍경이 묘사되어 있습니다. 풍요로운 자연과 절제된 풍속의 묘사로 한층 더 엄숙하게 ‘신의 섬’을 표현하고 있는 듯합니다.
또한, 그려진 경관에는 노 무대도 소나무가 빽빽한 들판도 없어 에도 시대 이전의 작품이 바탕이 된 것으로도 추정되는 귀중한 작품입니다.

おか 岷山みんざん

(1734-1806)

仏法僧図

1766年
絹本彩色
99.0 x 39.0 cm


作者は広島生まれ。広島藩の絵師・勝田幽溪や花鳥画の名手・宋紫石に学びました。この作品では、「ブッ(仏)・ポウ(法)・ソウ(僧)」と鳴くと信じられていた、色鮮やかな夏の渡り鳥を描いています。胴体は光沢ある青色(あるいは緑色)。尾羽は黒色。風切に白い斑紋があり、嘴と脚は赤橙色。個体の特徴をよく捉えた緻密な描写がみどころです。左上には福王寺(広島市安佐北区)学如による賛文があります。作者は、この作品のような色彩豊かな花鳥画や真景図(風景画)に優れた画技を示して、江戸時代の広島で最も高く評価されました。

OKA, Minzan

(1734-1806)

Broad-billed roller

1766
Color on silk
99.0 x 39.0 cm


Oka was born in Hiroshima. He apprenticed with an artist of the Hiroshima Domain Yukei KATSUTA and Shiseki SO who was a master artist in paintings of flowers and birds. This painting depicts a colorful summer migratory bird which was believed to sing ‘Bu-ppou-sou (Buddha, Dharma, Monk)’. The body of the bird is shining blue (or green). The tail end feathers are black. The primary feathers have white spots with the beak and the feet in orange-red. This painting is very elaborate capturing the bird’s features very well. A eulogy by Gakunyo, the monk of the Fukuo-ji temple (Asakita-ward, Hiroshima) is written on the top left of the painting which proves that the artist was highly acclaimed in Hiroshima during the Edo period for the skilled colorful paintings of flowers, birds and sceneries.

OKA, Minzan

(1734-1806)

Rolle orienta

1766
Peinture sur soie
99.0 x 39.0 cm


L'auteur est né à Hiroshima. Il a appris de Katsuta Yukei, artiste peintre du domaine d’Hiroshima et de So Shiseki, maître de la peinture de fleurs et d'oiseaux. Dans cette œuvre, il a dessiné un oiseau migrateur d'été coloré qui semblait chanter les sons « Bu (Bouddha), Po (Dharma), et So (moine) ». Son corps est bleu brillant (ou vert). Les plumes de la queue sont noires. Il a une tache blanche sur le bout de son aile, et possède un bec et des jambes rouge et orange. Cette représentation précise capturant les caractéristiques personnelles de l’oiseau est magnifique. En haut à gauche se trouve louange par Gakunyo, le moíne du temple de Fukuoji (Asakita-ku, Hiroshima). Avec cette œuvre, l’auteur a montré des techniques de peinture exceptionnelles pour les scènes d'oiseaux et de fleurs colorées ainsi que pour les scènes réelles (paysages), ses œuvres disposaient d’une haute estime à Hiroshima dans la période d'Edo.

冈岷山

(1734-1806)

三宝鸟图

1766年
绢本彩色
99.0 x 39.0 cm


作者出生于广岛。从师于广岛藩的画家・胜田幽溪和花鸟画的名匠・宋紫石。本件作品描绘了相传会发出“Bu(佛)・Pou(法)・Sou(僧)”的叫声、色彩艳丽的夏候鸟。侯鸟身体呈现出有光泽的蓝色(或者绿色)。而尾羽则为黑色。拨风羽上有白色的斑纹,而嘴和脚均为红橙色。细致地捕捉了侯鸟个体特征的精确描画是本作品的精妙所在。左上角书写有福王寺(广岛市安佐北区)学如的赞美之文。作者通过诸如本作品般色彩艳丽的花鸟画和真景图(风景画)为世人呈现了其非凡的作画技巧,有着江户时代广岛最出色画家的美誉。

오카 민잔

(1734-1806)

불보승도

1766년
비단에 채색
99.0 x 39.0 cm


작자는 히로시마 태생. 히로시마번의 화원 가쓰타 유케와 화조화의 명인 소 시세키에게 수학했습니다. 이 작품에서는 ‘북(仏)・보(法)・소우(僧)’이라 우는 것으로 믿어지던 화려한 색상의 여름 철새가 그려져 있습니다. 몸은 광택이 있는 청색(또는 녹색). 꼬리털은 검정색. 칼깃에는 흰 부분이 있고 부리와 다리는 적등색. 개체의 특징을 잘 살린 치밀한 묘사가 압권입니다. 좌측 상단에는 후쿠오지 절(히로시마시 아사키타구)의 학승이 쓴 글이 있습니다. 작자는 이 작품과 같은 풍부한 색채의 화조화와 진경도(풍경화)에 뛰어난 실력을 보이며 에도 시대에 히로시마에서 가장 높은 평가를 받았습니다.

エルサリ族,トルクメン人

刺繍鞄

19世紀中期
刺繍
17.4 x 13.2 cm


トルクメン人は中央アジアのトルクメニスタンを中心に、イランやトルコ、アフガニスタンなどに住んでいる民族です。その支族のエルサリ族に特徴的な文様のひとつが、殻つきのアーモンド。これを組み合わせたパターンを配置しています。赤、深紅、青、黄緑、黄、白、黒の絹糸で、主にダブルチェーンステッチで高い密度で刺繍されています。
口部分の縁飾りは民族衣装にも共通するもの。ポケットのない衣装を着用する彼らは、刺繍の小さな袋に鏡やお金、茶葉などを入れて持ち歩きました。
ひと針ひと針の思いがつまった刺繍の袋です。

Ersari tribe, the Turkmens

Embroidered Bag

Mid 19th century
Embroidery
17.4 x 13.2 cm


The Turkmens are an ethnic group native to Turkmenistan in the Central Asia. They also live in Iran, Turkey, Afghanistan etc. One of the characteristics of the Ersai tribe of the Turkemens is the shape of an almond in a shell. The pattern of this embroidery combines such almonds. The color of the silk threads used are red, deep crimson, blue, yellow-green, yellow, white and black. They are stitched using a double chain stitch with high density.
The decoration at the top is the same as their tribal costume. The Ersaris wore a tribal costume without any pockets. Instead, they carried a small embroidered bag like this to place a mirror, money, tea leaves etc.
Each stitch of this embroidered bag is filled with the bag creator’s feelings.

Tribu d’Ersari, les Turkmènes

Sac brodé

Moitié du 19e siècle
Broderie
17.4 x 13.2 cm


Les Turkmènes vivent en Iran, en Turquie, en Afghanistan, et principalement au Turkménistan, en Asie centrale. L'un des motifs caractéristiques de la tribud’ Ersari est l'amande avec coquille. Un motif représentant l’amande est brodé. Il est fait de fils de couleur rouge, cramoisi, bleu, vert-jaune, jaune, blanc et noir, et est principalement brodé de manière uniforme avec double point de chaîne. La décoration de la partie de l’ouverture est également commune au costume national. Les Turkmènes portent des costumes sans poches, de ce fait ils transportent un miroir, de l'argent, des feuilles de thé, etc. dans de petits sacs brodés. C’est un sac brodé contenant les pensées de l’aiguille brodant au fur et à mesure.

埃尔萨里族,土库曼人

刺绣袋

19世纪中期
刺绣
17.4 x 13.2 cm


土库曼人是居住在以位于中亚的土库曼斯坦为中心的伊朗、土耳其、阿富汗等地的民族。在其分支民族的埃尔萨里族的刺绣中,具有特征性的纹理之一则是带壳杏仁。本件作品则是把该纹理排列组合成图案。使用红、深红、蓝、黄绿、黄、白、黑的丝线,主要通过双链式线迹缝法进行了高密度的刺绣。
开口部分的边缘装饰在其民族服装上也十分常见。过去衣着上没有口袋的埃尔萨里族人会把镜子、钱、茶叶等装进刺绣的小袋子里出行。
刺绣袋的每一针每一线都凝聚了一份心思。

에르사리족, 투르크멘인

자수 주머니

19세기 중기
자수
17.4 x 13.2 cm


투르크멘인은 중앙아시아의 투르크메니스탄을 중심으로 이란과 터키, 아프가니스탄 등에 살고 있는 민족입니다. 그 한 갈래인 에르사리족의 특징적인 문양 중 하나가 껍질 채인 아몬드. 그것을 조합한 패턴을 배치하고 있습니다. 빨강, 진홍, 파랑, 연두색, 노랑, 흰색, 검정 명주실로 주로 더블체인 스티치 기법에 의해 높은 밀도로 자수되어 있습니다.
열린 부분의 테두리 장식은 민족 의상에도 공통된 것입니다. 주머니가 없는 옷을 입는 그들은 작은 자수 주머니에 거울이나 돈, 찻잎 등을 넣고 다녔습니다.
한 땀 한 땀의 정성이 담긴 자수 주머니입니다.

ハザーラ人

刺繍鞄

19世紀中期
刺繍
10.5 x 7.9 cm


ハザーラ人はアフガニスタンを中心に住んでいる、モンゴル系の民族です。「光り輝く地」の意味をもつバーミヤーンは、仏教石窟遺跡とともにハザーラ人が多いことで知られています。

中央アジアの民族衣装のほとんどにはポケットはなく、鏡やお金、茶葉などを入れた袋を懐に忍ばせました。
織物と見間違えそうな繊細な菱文様は、布地の糸目を数えるように朱、深紅、青、白の絹糸の刺繍で表されています。
左右対称に渦巻く文様は、中央アジアで頻繁に見られる牡羊の角のモティーフです。

The Hazaras

Embroidered Bag

Mid 19th century
Embroidery
10.5 x 7.9 cm


The Hazaras are an ethnic group of Mongolian origin who mainly live in Afghanistan. Bamiyan can be translated as the ‘Place of shining light’ and is well known as the place of Buddha statue caves and the Hazaras who lives in the area.

Many of the tribal costumes in the Central Asia did not have any pockets, so most people carried a bag to place a mirror, money, tea leaves etc.
The diamond shapes are stitched so delicately that it looks like a textile which are stitched in silk threads in vermillion, deep crimson, blue and white.
The swirling symmetric design is based on the shape of a horn of a ram which is commonly found in Central Asia.

Les Hazaras

Sac brodé

Moitié du 19e siècle
Broderie
10.5 x 7.9 cm


Les Hazaras vivent principalement en Afghanistan, ce sont des groupes ethniques mongols. La ville de Bamiyan, qui a pour signification « terre brillante », est connue pour ses nombreux Hazaras, ainsi que pour ses vestiges de grotte bouddhiste.

La plupart des costumes indigènes d'Asie centrale n'ont pas de poches, ils transportent donc avec eux un sac contenant un miroir, de l'argent, des feuilles de thé, etc.
C’est une broderie délicate qui ressemble à du tissu, et faite de fils de soie vermillon, cramoisi, bleu, blancs laissant apparaitre la couture sur le tissu.
Le motif de tourbillon symétrique est un motif représentant des cornes de mouton fréquemment aperçues en Asie centrale.

哈扎拉人

刺绣袋

19世纪中期
刺绣
10.5 x 7.9 cm


哈扎拉人主要生活在阿富汗斯坦,是一个拥有蒙古人血统的民族。意为“光辉之地”的巴米扬,以佛教石窟遗迹以及居住了很多哈扎拉人而著称。

中亚的民族服装大多没有口袋,因此他们会怀揣一个装有镜子、钱、茶叶等的袋子。
咋一看会误以为是纺织品的纤细菱形纹理,是通过计算着布料的细线以朱红、深红、蓝、白的丝线刺绣来呈现的。
其左右对称的回旋纹理是在中亚常见的牧羊角的创作主题。

하자라족

자수 주머니

19세기 중기
자수
10.5 x 7.9 cm


하자라족은 아프가니스탄을 중심으로 살고 있는 몽골계 민족입니다. ‘눈부시게 빛나는 땅’이라는 뜻을 지닌 바미얀은 불교 석굴 유적과 하자라족이 많은 것으로 알려져 있습니다.

중앙아시아 민족 의상의 대부분에는 주머니가 없어 거울이나 돈, 찻잎 등을 넣은 주머니를 품에 넣고 다녔습니다.
직물로 착각할 만큼 섬세한 마름모 문양은 천의 실 개수에 맞춰 주홍, 진홍, 파랑, 흰색 명주실의 자수로 표현되어 있습니다.
좌우 대칭의 소용돌이 치는 듯한 문양은 중앙아시아에서 많이 보이는 문양으로 양의 뿔을 상징합니다.

ヨムート族,トルクメン人

刺繍鞄

20世紀初頭
刺繍
15.5 x 10.4 cm


トルクメン人は中央アジアのトルクメニスタンを中心に、イランやトルコ、アフガニスタンなどに住んでいる民族です。
カスピ海近くに住んでいたヨムート族には水にまつわる文様も伝わっています。袋の周囲に巡るのも波文様かもしれません。

赤、青、黄、白、黒の絹糸で、主にチェーンステッチで高い密度で刺繍されています。刺繍には一般的な針のほか、かぎ針も使われるのが特徴的。
ポケットのない衣装を着用する彼らは、刺繍の小さな袋に鏡やお金、茶葉などを入れて持ち歩きました。口を締めるための紐先の赤い房がかわいらしい作品です。

Yomut tribe, the Turkmens

Embroidered Bag

Early 20th century
Embroidery
15.5 x 10.4 cm


The Turkmens are an ethnic group native to Turkmenistan in the Central Asia. They also live in Iran, Turkey, Afghanistan etc.
The Yomut tribe who lived near the Caspian Sea has a design associated with water. The decoration bordering the bag looks like a design of waves.

The color of the silk threads used are red, blue, yellow, white and black. They are stitched using a double chain stitch with high density.
The characteristic of this embroidery is that an ordinary needle as well as a crochet needle is used for stitching. The Yomuts wore a tribal costume without any pockets. Instead, they carried a small embroidered bag like this to place a mirror, money, tea leaves etc. A lovely red tussle is attached at the end of the drawstring.

Tribu de Yomut, les Turkmènes

Sac brodé

Début du 20e siècle
Broderie
15.5 x 10.4 cm


Les Turkmènes vivent en Iran, en Turquie, en Afghanistan, et principalement au Turkménistan en Asie centrale. La tribu de Yomut qui vivait près de la mer Caspienne arbore également des motifs liés à l'eau. Les formes autour du sac représentent probablement ces vagues.

Il est fait de fils de soie rouge, bleu, jaune, blanc, noir, et est principalement brodé à haute densité avec des coutures en point de chaîne. En plus des aiguilles générales utilisées pour la broderie, le crochet est également utilisé.
Les Turkmènes portent des costumes sans poches, de ce fait ils transportent un miroir, de l'argent, des feuilles de thé, etc. dans de petits sacs brodés. Le pompon rouge fait d'un bout de cordon pour serrer l’ouverture rend cette pièce très jolie.

约穆徳族,土库曼人

刺绣包

20世纪初
刺绣
15.5 x 10.4 cm


土库曼人是居住在中亚、土库曼斯坦地区、伊朗、土耳其、阿富汗等地的民族。
邻近里海居住的约穆徳族会在刺绣中呈现出与水有关的纹理。而环绕袋子的边缘也有可能是波浪的纹理。

使用红、蓝、黄、白、黑的丝线,主要通过链式线迹缝法进行了高密度的刺绣。除了使用一般的编织针以外,还使用了钩针是该刺绣的一大特征。
过去衣着上没有口袋的约穆徳族人会把镜子、钱、茶叶等装进刺绣的小袋子里出行。用于收紧袋口的绳端处有一个红色的流苏,让这件作品多了一分玲珑之感。

요무트족, 투르크멘인

자수 주머니

20세기 초두
자수
15.5 x 10.4 cm


투르크멘인은 중앙아시아의 투르크메니스탄을 중심으로 이란과 터키, 아프가니스탄 등에 살고 있는 민족입니다.
카스피해 주변에 살고 있던 요무트족에게는 물과 관련된 문양도 전해지고 있습니다. 주머니 테두리의 문양도 파도 문양일지도 모릅니다.

빨강, 파랑, 노랑, 흰색, 검정 명주실로 주로 체인 스티치 기법에 의해 높은 밀도로 자수되어 있습니다. 자수에 일반적인 바늘 외에 코바늘도 사용되는 것이 특징적입니다.
주머니가 없는 옷을 입는 그들은 작은 자수 주머니에 거울이나 돈, 찻잎 등을 넣고 다녔습니다. 주머니를 조이는 데 쓰는 끈 끝의 붉은 술이 귀여운 작품입니다.